《香江畫刊》丨藝術家盧清藝術深度研究
《香江畫刊》丨藝術家盧清藝術深度研究
執行總編：羅唐生
【編者按】 在當代藝術的荒原裡，做一個逆行的行者
很多人面對當代藝術，往往會有這樣的疑問：“明明我看得到紙張的破損、油漆的裂紋，可為什麼就是讀不懂作品背後的含義？” 也有很多藝術家，習慣了用西方的理論解釋東方的創作，在各種主義的標籤裡包裝自己，卻漸漸丟掉了最根本的精神源頭。
而這正是《香江畫刊》一直以來的堅持：我們始終在尋找這樣的藝術家——他們不懼怕在泥濘裡掙扎、在亂象裡求真、在虛空裡尋找精神的所在。這一期，我們把目光投向福建福州的當代藝術家盧清。從1988年的現代剪紙展，到即將在2026年推出的漆藝術研究展與綜合材料繪畫作品展，這位浸潤在東方美術傳統裡的創作者，用整整四十餘年的藝術實踐，回應了我們對“東方當代精神美學”的所有追問。
他不僅僅是中國美術家協會會員、福建省美協綜合材料繪畫藝委會顧問，更是當代語境下，少有的一位“用東方邏輯解讀當代，用當代語言翻譯東方”的美學踐行者。他把《易經》的流變、禪學的空性、叢林裡頑強的生命力量，揉進了畫布上的每一道裂紋、每一條線條、每一塊肌理裡。接下來，就讓我們走進盧清的藝術世界。
一、 材質的爻變：在破敗與重構間，下一盤陰陽流變的棋
在《易經》的哲學體系裡，“爻”是變化的基本符號，它象徵著世間萬物的流轉、對抗與交融。這套“變易生生”的哲學，恰恰是解讀盧清綜合材料創作的鑰匙。只不過，他沒有把變化的邏輯寫在紙上，而是直接搬到了畫布上——用材料的對話，讓抽象的哲學變成了看得見、幾乎摸得到的視覺存在。
盧清的創作，從來不是隨意的材料拼貼。他擅長把屬性截然不同的東西——瓦楞紙、舊報紙、粗布這樣的普通甚至廢棄的日常材料，和大漆、金箔這樣的傳統工藝材料——並置在同一個畫面上。這不是西方美學意義上的材料堆砌，而是東方思想裡“陰陽交變”的視覺轉譯：你看得到干裂的漆皮，那是時間留下的痕跡；廢棄紙張的碎屑，帶著過去生活的溫度；斑駁粗糙的肌理，像極了叢林裡未經修飾的泥土與樹皮。這些被別人忽略的、甚至被當作垃圾的材料，在他的畫布上變成了不斷變化的“爻象”——沒有固定的規則，卻有著內在的平衡。
這種對材料的理解，在他的“自洽三部曲”《無中生有》《異想天開》裡，表現得尤為突出。他在接受採訪時曾提到，自己在創作時，不會刻意安排材料的位置，而是順著材料本身的特性去引導它們——瓦楞紙的波紋可以變成山巒的輪廓，舊報紙的文字可以變成遠山的層次，大漆的流痕可以變成河流的走向。最終，畫面上綿密的線條與碎裂的肌理形成了對話，陰性的、收斂的、溫暖的日常材料，與陽性的、外放的、冰冷的工藝材料，在同一個空間裡對抗、糾纏又擁抱。在破敗與重構之間，讓人直觀感受到《易經》裡“生生不息”的流變規律——這不是藝術家單方面的創作，而是材料與材料、過去與現在、自然與人文之間，一場充滿生命力的共生博弈。
二、 真元的呼喚：從繁雜到純粹，畫一張內觀精神的地圖
如果說“材質的爻變”是盧清用可觸摸的材料與外面世界對話，那麼他的“線象”與“心象”系列，就是用眼睛看不見、只能用心感知的精神符號，完成與內在自我的對話。這一轉向，恰恰契合了《香江畫刊》美學綱領裡的“真元美學”——它不是對西方超現實主義的照搬，也不是對中國傳統文人畫的簡單複製，而是讓兩者在當代語境下完成視覺融合；最終目的，是通過視覺形式，讓人的精神突破日常經驗的局限，抵達本真存在的境界。
在這一系列作品裡，盧清捨棄了顏色的裝飾性，也沒有立體材料的輔助，只剩下單純的線條與暗影。那些密集的、如同等高線般盤旋交錯的線條，從四周向中心匯聚；畫面的中央，是一個似水滴、似塔樓、似人形、又似胚胎的黑色實體。沒有任何具體的形象，可每一個看到作品的人，都會不由自主地放緃呼吸——那種從四面八方流向中心的動勢，營造出一種近乎宗教儀式般的凝靜。
而這種單純的視覺力量，在他近期的“空”與“禪意”系列裡，被發揮到了極致。他完全跨越了媒材的界限，就像禪宗修行裡的“磨磚作鏡”一樣，拋棄了所有多餘的表達，只用純粹的黑白與深邃的暗影來構建畫面。黑色是濃縮的、收斂的精神，白色是空曠的、無邊的宇宙。在黑與白的交織裡，沒有任何具體的敘事，也沒有對情緒的直接描繪，只有一種“萬法歸一”的內觀張力。
這正是盧清想要抵達的“真元”境界：創作的過程，就是一場減法的修行——用材料的剝離，帶動視覺的剝離；用視覺的單純，帶動精神的純粹。最終，讓藝術不再是審美裝飾，而成為一條精神的迴歸之路，讓人在空寂中找到內心的平靜，把人類對未知的敬畏、對本真的渴求，凝結成供靈魂棲息的精神聖地。
三、 視覺的撕裂：以破局之力，叢林泥濘裡的生命覺醒
無論是充滿對話张力的材料，還是直指本心的精神符號，盧清的作品裡，始終藏著一種“撕裂”的力量。這種力量，不是刻意製造的視覺衝擊，而是從生活的痛感裡生長出來的，完美契合了《香江畫刊》美學體系裡的“叢林美學”——所謂“歸林守真”，不是對自然的簡單模仿，而是在亂世中保留頑強的生命力，以原始、粗糙、不加修飾的方式，展現生命的本真力量。
盧清的藝術風格，不是一蹴而就的，他的創作軌跡，本身就是一場不斷“撕裂”的自我突破。這種撕裂的力量，最早可以追溯到他早期的女性題材線描作品裡。那時候，他還沒有後來那麼多的綜合材料，也沒有那麼抽象的表達，可線條裡的焦灼感、形體的扭曲張力，已經把現代人在生存壓力下的那種壓抑、不安，甚至是痛感，直接傳遞給了觀眾。
而隨著創作的深入，他漸漸不滿足於只描繪個人的情緒，開始用更磅礴的方式解讀歷史與當代的關聯——他把“撕裂”從個人情感的表達，升級成了一種認識世界的藝術方法，這一轉變，在《意境-風光速寫》與《墨象》這兩部代表作裡表現得尤為充分。在這兩幅作品裡，過去那種明顯的、帶著個人情緒的撕裂感不見了，取而代之的是一種更沉穩、更執著的力量。畫面上的線條，像是在碎石縫裡掙紮生長的植物，也像是在狂風暴雨裡依然緊握著土壤的樹根，帶著一種在黑暗叢林中突破重圍的頑韌。
他把這種“撕裂”的力量，當作對抗這個日趨膚淺的時代的一種方式。它不是簡單的情緒宣洩，更不是為了吸引眼球的刻意嘩眾取寵，而是生命個體在與命運、與時代、與自然的對抗中，被撕扯出的傷痕——生命的力量，往往要在打破常態、撕裂表象的時候，才會真實顯露出來。而盧清的厲害之處，在於他把這種個體生命的悲喜，悄悄融進了東方哲學的歷史長河裡——讓觀眾在看到自己痛感的同時，也讀懂了人類共通的生命力量。
結語：香江畫派的東方行者，用當代語言，講好東方美學的故事
在當代藝術的版圖裡，盧清始終是一個獨特的存在——他不屬於任何一個熱門的“藝術圈子”，也從不湊“流派創新”的熱鬧。他更像一個孤獨的行者，在當代藝術的荒原裡，默默地走著自己的路。
從1988年的現代剪紙展，到2026年即將舉行的“盧清漆藝術研究展”與“綜合材料繪畫作品展”，縱觀他四十餘年的藝術軌跡，你會發現，他的創作一直圍繞著兩個核心命題：一是“東方美學的當代轉譯”，二是“當代藝術的東西對話”。他沒有照搬西方當代藝術的理論框架，也沒有單純複運中國傳統美術的符號，而是選擇了一條看似艱難，實則最終有效的路：把東方哲學的內在靜觀，導入西方現代主義的物質實驗中；讓禪意的孤獨、《易經》的流变、冥想的精神狀態，通過材料的物質性、視覺的直觀性，被更多人感知到。
在香江畫派的美學主張裡，一直強調“以個性張力與西方對抗”——而盧清的獨特價值，在於他沒有選擇“對抗”，而是用“內省”與“超越”的方式，完成了更為深層次的文化對話。他不僅僅是在創作一件件藝術品，更是在構建一個屬於東方當代藝術的“文化母體”——這個體系裡，有《易經》的變化哲學，有禪學的空性智慧，有叢林的頑強生命力，也有一個現代人對精神家園的嚮往。
作為福州這座歷史文化名城走出的藝術家，他的成就不僅僅屬於個人，更成為當代中國藝術走向世界、並在內在精神層面完成自我確證的重要標杆——他讓我們看到：真正有生命力的當代藝術，永遠是從自己的文化傳統裡生長出來的；而真正的東方當代藝術，一定是用當代的視覺語言，講述東方精神的永恒故事。
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執行總編：羅唐生
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